Катя Емельянова (1984) — скульптор и фотограф.Училась и работала в художественной мастерской Юрия Купера в Париже (2008), стажировалась в Central Saint Martins University London (2019), где познакомилась с мультикультурной средой и экспериментировала с идеями и образами. В Лондоне Катя впервые обратилась к созданию минималистичных, но технологически сложных скульптур из керамики, которые находятся в гибридном поле искусства и дизайна.В настоящее время художница работает с нью-йоркской галереей и принимает участие в выставках и ярмарках в России и за рубежом. Работы хранятся в частных коллекциях в Бодруме, Лондоне, Дубае, Майами, Москве и Париже. Живет и работает в Москве.

Для своих работ художница выбирает элементарные формы и природные материалы — глину и металл. Ритм, цвет и геометрия ее объектов мгновенно преображают окружающее пространство, воздействуют на эмоции зрителя и вызывают поток ассоциаций.

Представленная на выставке скульптура «Встреча во время антракта" — одна из серии авторских работ, созданных в технике ручной керамики и собранных вручную из схожих элементов. Эмоциональное и переведенное за язык геометрии название отсылает к неизвестному персонажу со светлой головой, статным торсом в смокинге с галстуком, окруженному линией желтых и розовых софитов.

Дарья Барыбина (1988) работает с жанровой картиной. Окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова (2011), факультет станковой графики, Школу современного искусства «Свободные мастерские» (2015), Московскую школу фотографии и мультимедиа имени А. Родченко (2018). Живет и работает в Москве.

В своих работах Дарья стремится отразить повседневность и ее случайных героев. Она коллекционирует обыденные, повседневные сюжеты: в фокус художницы попадают знакомые локации или ситуации, порой включающие сюрреалистические и неожиданные элементы.

Живописные полотна «Цацки» и «5 минут» лишены героя, а визуальный язык Барыбиной реалистичен только на первый взгляд: точность изображаемого соединяется с вымыслом и допущениями.

Мария Сафронова (1979) - живописец, график и автор инсталляций. Окончила Московский государственный академический художественный институт имени В.И. Сурикова, Институт проблем современного искусства и школу «Свободные мастерские». Стипендиат Министерства культуры
РФ, финалист Премии Кандинского и лауреат Премии Сергея Курехина в номинации «Лучшее произведение визуального искусства». Сафронова исследует место человека в социальной системе. В живописных сериях она отображает сюжеты из жизни различных социальных институтов: детского сада, школы, больницы, места работы. Живет и работает в Москве.


Объект «Метель» был создан в год пандемии и стал частью проекта «Что, если?» - выставка открылась за несколько дней до всеобщей эпидемии. Инсталляция, издающая какофонию детских голосов, стала откликом художницы на непростое время и с тех пор побывала на многочисленных выставках. Многократно увеличенная игрушка-талисман - стеклянный шар с вихрящимся снегом, в котором расположен фрагмент пустующего двора, символизирует для художницы портал в иные миры. Сферический купол накрыл уютный детский мир и окутал снегом, в том время как в большом мире творятся перемены, а художница, словно пророк, предсказывает будущее.

Ульяна Подкорытова (1984) — одна из ярких представительниц современной российской художественной сцены. Окончила Московский государственный университет печати имени Ивана Федорова и Московскую школу фотографии и мультимедиа имени А. Родченко. Художница много лет обращается к постфольклору и создает видео и инсталляции, графику и живопись, скульптуры из керамики и дерева. За каждым произведением Ульяны всегда стоит опыт изучения фольклора через призму сегодняшнего дня и образ самой художницы, то ли сказительницы, то ли волшебной героини.

Работы находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Мультимедиа Арт Музея, Музея современного искусства «Гараж», Aksenov Family Foundation, а также в частных российских и зарубежных коллекциях. Живет и работает в Москве и Арбамцеве.

Художница выросла близ Амбрамцева, где с 1870-х годов существовал «Абрамцевский художественный кружок», а Виктор Васнецов был его активным участником. Специально для выставки в «васнецовском» зале второго этажа школы Ульяна Подкорытова создала интерактивный домашний театр.

«Можно почувствовать себя властелином небесных тел, а уж если ты можешь их вертеть, то и судьба становится тебе подвластной и все желания могут сбываться», — так художница приглашает зрителей повернуть ручку с обратной стороны инсталляции и положить в ящик письмо-желание.

Дарья Безруких (1998) — художник-керамист. В своих работах исследует материальность и хрупкость формы, воплощает застывшие во времени моменты, создает автопортреты или портреты других людей. Наблюдая и вдохновляясь простыми вещами, Дарья воспроизводит их в трогательном, немного небрежном виде.

Живет и работает в Санкт-Петербурге. Керамический объект «Шахматы» представляет собой игровую доску с абстрактными фигурами, очертания которых скруглились, стали более плавными. Из простых форм возникает весь набор, где пешки — шары, конь — загнутая фигура, слон — фигура из двух сфер, ладья — куб, ферзь — конус, а король — цилиндр. Игра с формой продолжается и в функциональном устройстве шахмат, которые, как сокровенное желание, можно спрятать в шкатулку, даже не доиграв до конца.

Анастасия Рыбакова (1998) — междисциплинарная художница. Окончила Сибирский федеральный университет по специальности «архитектура» (2022). Работает в жанре живописной графики, используя цветные карандаши, акварель, тушь и фломастеры. Также пишет маслом, создает инсталляции, ставит перформансы, снимает видео, работает со звуком, делает текстильные скульптуры. Обращается к темам новой искренности, детского восприятия мира. Произведения находятся в коллекции Музейного центра «Площадь Мира» и в частных собраниях. Живет и работает в Красноярске и Санкт-Петербурге.

В центре нового проекта «Радиальная азбука», созданного специально для выставки — авторский метод художницы, основанный на работе с личными воспоминаниями и чувственным восприятием. Каждый из двадцати четырех цветных листов рассказывает одну историю на определенную букву алфавита, при этом сохраняя основной фокус проекта — работу с формой сферы. Здесь и хоровод, и праздничный оливье с бенгальским огнем, и планета Земля, стремящаяся совершить новый оборот, словно детская юла.

Александра Паперно (1978) — живописец, автор инсталляций, фотографий и видео. Окончила нью-йоркский институт Cooper Union for the Advancement of Science and Art, где училась у Дори Эштон, Роберта Бриира и Ханса Хааке. Художница часто обращается к силуэтам, контурам и отдельным элементам — от предметов мебели, очертаний стен до птиц и звезд, складывая из них идеально выверенные композиции. Работая на грани абстракции и фигуративности, используя сложную многослойную технику и монохромную палитру, Александра Паперно создает произведения, в которых классические образы из истории искусства или архитектуры приобретают новое прочтение, выявляя то неозвученное, что несет в себе вселенная каждого человека. Произведения находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства и частных коллекциях по всему миру. Живет и работает в Москве.

На серебряном отпечатке из серии «Уроки рисования» запечатлена композиция для академического рисунка, где задача нарисовать правильный шар — неотъемлемая часть процесса обучения. Весь проект посвящен теме художественного образования, его традиционности и герметичности. Во многом проект основан на личном опыте художницы, которая получила сперва академическое художественное образование, а затем продолжила учиться современному искусству, границы которого крайне расплывчаты, если они вообще существуют.

Роман Сакин (1979) окончил Абрамцевское художественно-промышленное училище имени В. М. Васнецова и Московский государственный художественно-промышленный университет имени С. Г. Строганова. Автор скульптурных объектов и многосоставных инсталляций, апеллирующих к проблематике классической и современной науки и одновременно полных иронии. В своих работах художник часто обращается к способам изучения пространства и взаимодействия с ним. Он создает собственную вселенную, в центре которой стоит зритель — он может управлять ей, участвовать в пластических экспериментах и почувствовать себя причастным к созданию новых художественных форм. Номинант Премии Кандинского в категории «Проект года» (2009, 2012). Работы находятся в собраниях Музея ART4 (Москва), Московского музея современного искусства и Spazio Carbonesi (Болонья). Живет и работает в Москве.

Серия объектов художника из проекта «Измерительные системы» — это ответ на новую реальность, где создание чего-то нового, будь это произведение искусства, изображение, фото или текст, стало повседневной рутиной почти для каждого. «Есть одно дело, которое совсем почти не сделано, — это изучение устройства мира, но не так, как это делает наука, а так, как это может сделать только искусство. Измерить мир — значит изучить пространство, открыть законы его восприятия с точки зрения наблюдателя, а также изучить его форму». Заполнение пустого пространства — тоже акт измерения, по теории художника, если есть витрина — ее непременно надо заполнить. Сакин создал целый набор ненаучных измерительных инструментов — арт-объектов, каждый из которых служит, чтобы непривычным способом измерить что-то в этом мире — например, блин на тарелке или высоту торта.

Юлия Вирко (1994) — живописец. Художница несколько лет обучалась иллюстрации и живописи в США. Вирко выбрала для себя живопись как основное медиа. Однако находясь в постоянном поиске своего почерка, она умело экспериментирует с традиционной техникой: здесь и комбинирование, и коллажи, и работа с фотоархивами, а также новые фактуры и цвета. Через необычные метафоры и ассоциативный ряд художница исследует сложность человеческой натуры и сознания, создавая свои воображаемые миры. Первый персональный проект художницы Work in Progress состоялся в 2021 годУ в Государственном музее искусств имени А. Кастеева (Алматы, Республика Казахстан). Живет и работает в Москве.

Творчество Юлии Вирко — это практика коллекционирования образов в своих и найденных фотографиях, вырезках из книг и журналов. Ее живопись всегда — игры разума и воспоминаний, своих и чужих. Иногда они рассказывают правду, а иногда создают фантомные миры. Подсказкой зачастую служат подписи к работам, в которых художница приоткрывает тайну. Название созданного специально для выставки холста «Рассыпанные апельсины напоминают мне множество закатов, которые я видела в Индии» служит маленькой подсказкой к ребусу художницы и предлагает зрителям то ли считать количество апельсинов на картине, то ли вспоминать цвета закатов.

Recycle Group была основана Андреем Блохиным (1987) и Георгием Кузнецовым (1985) в 2006 году. C 2008-го художники регулярно принимают участие в российских и зарубежных выставках современного искусства. В 2008 году прошла их первая персональная выставка RECYCLE («Переработка»), давшая название творческому дуэту. Художники начинали свой творческий путь, исследуя тему археологии будущего, постепенно смещая фокус на трансформацию личности под влиянием современных технологий. Работают с инсталляцией, скульптурой, видео и дополненной реальностью. Лауреаты Премии Кандинского (2010), обладатели специального приза премии Arte Laguna (2016). Принимали участие в программе Венецианской биеннале в 2011, 2013, 2015, 2017 годах. Живут и работают в Париже.

Арт-группа Recycle много лет подряд создает новую мифологию. Художники занимаются переработкой не только материалов, но и образов, все больше задаваясь вопросом цифрового будущего.

Парящие на лестнице между вторым и третьим этажами хромированные сферы Recycle Group, внешне напоминающие полурастаявшие снежки, оказываются геолокаторами, летящими высоко и глядящими далеко. Сеть и мир машин знают о нас больше, чем самый близкий друг, и следят за нашим местоположением ежесекундно. Художники и предлагают задуматься о влиянии цифровых технологий и компьютерного зрения на жизнь современного человека.

Павел Пепперштейн (1966) — художник, писатель, критик и теоретик искусства. Родился в семье московского концептуалиста Виктора Пивоварова. В его работах смешиваются узнаваемые культурные образы и остроумные комментарии, произведения наполнены отсылками к сюрреализму, супрематистским моделям Малевича, восточным акварелям, поп-арту и книжным иллюстрациям. Работы художника находятся в собраниях Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Государственной Третьяковской галереи (Москва), Центра Помпиду (Париж, Франция), Kunsthalle Düsseldorf (Дюссельдорф, Германия), а также в частных коллекциях по всему миру. Живет и работает в Москве.

Представленная на выставке живописная работа Пепперштейна — отсылка к одному из самых известных и неоднозначных произведений в российском и мировом искусстве — картине «Черный квадрат» Казимира Малевича. Малевич создал несколько версий картины с различными размерами и пропорциями, например в 1923 ГОду для Третьяковской галереи и в 1920—1930-е годы для Эрмитажа, а затем продолжил цикл работ и создал «Черный круг» и «Черный крест». Художник исследовал базовые возможности цвета и композиции и создал свое направление — супрематизм, провозгласив квадрат основой и «нулем форм» для нового искусства. Образ «Черного квадрата» Павел Пепперштейн активно применяет в своей практике, зачастую его работы становятся мостом между прошлым и будущим, между детской непосредственностью и взрослой рефлексией, а названия работ — ответом на загадку изображения.

Виктор Пивоваров (1937) — живописец, график, скульптор и писатель. Один из основоположников московского концептуализма. Произведения Пивоварова — это ребусы, сложенные из размышлений, реальных и фантастических образов. В изобразительной манере преобладают мотивы сюрреализма и книжной иллюстрации. Работы Виктора Пивоварова находятся в Tate Modern (Лондон, Великобритания), Ludwig Forum für Internationale Kunst (Аахен, Германия), Jane Voorhees Zimmerli Art Museum at Rutgers University (Нью-Брансуик, США), The National Gallery Prague (Прага, Чехия), Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Москва), Государственной Третьяковской галерее (Москва), Государственном Русском музее (Санкт-Петербург) и других собраниях.

В творчестве Пивоварова сталкивается детская иллюстрация и взрослый концептуализм. Долгое время художник был иллюстратором детской литературы и журналов «Веселые картинки» и «Мурзилка». Одновременно художник часто обращался к творчеству Казимира Малевича с его человеческими фигурами — плоскими, одинаковыми по силуэту, лишенными черт и рассеченными на разноцветные части. Изображенное яблоко в искусстве Виктора Пивоварова — постоянный и парадоксальный объект. В представленной на выставке живописной работе соединяются два основных образа в его творчестве, приглашая зрителя разгадать визуальный и культурный ребус.

Вова Перкин (1995) — художник, основоположник направления «перкинизм», группы художников «Наша Утопия» и Всероссийской Перкиннале современного искусства. Перкин начинал свой творческий путь с граффити, сегодня работает в различных техниках: живопись, графика, скульптура, фотография, перформанс. Отсутствие художественного образования с лихвой компенсируется драйвом, яркими красками, игрой, а все сюжеты и герои взаимосвязаны. Работы находятся в коллекции МИРА Центра (Суздаль), Музея AZ (Москва), Московского музея современного искусства, Фонда Ruarts (Москва), Музея АРТ4 (Москва), ЦСИ имени Сергея Курёхина (Санкт-Петербург), Музея Москвы, SDG Arts & Science Foundation, компании «Дымов Керамика» (Суздаль), а также в частных собраниях в России и за рубежом. Живет и работает в Москве и Наро-Фоминске.

За пятнадцать лет работы Перкин создал собственную вселенную, которую населяют более трех тысяч персонажей. Художник работает как с образами современной медиакультуры (анимация, комиксы, интернет-мемы), так и с героями и сюжетами из русского фольклора, и наполняет все это своей собственной вымышленной мифологией, называя свой стиль «перкинизмом». Жизнерадостный абсурдизм Вовы подкрепляют названия работ.

Зал начальной школы превращается в яркую инсталляцию Перкина, внутри которой можно сидеть и лежать, разглядывая фантастические иллюстрации.

Надежда Лихогруд (1992) — художница, скульптор. С детства занималась керамикой, училась в Московском государственном академическом художественном институте имени В. И. Сурикова, окончила Московский государственный университет дизайна, технологии, искусства имени А. Н. Косыгина по специальности «Художник костюма» и школу современного искусства «Свободные мастерские». С 2018 года член Союза художников и Российской академии художеств. Участница российских и международных выставок. Работы находятся в частных собраниях и музеях в России и за рубежом. Живет и работает в Москве и Лондоне.

Минималистичные скульптуры Лихогруд на стыке античности и современности подталкивают к размышлениям о времени в контексте личной и коллективной памяти. Лихогруд исследует керамику как медиум современной скульптуры и разрабатывает свой визуальный язык, опираясь на произведения разных исторических периодов — от медальонов в классической архитектуре до европейских и древнерусских изразцов, от античной скульптуры до советских фарфоровых статуэток.

«Кажется, мои работы иногда помогают выцепить воспоминание, которое затаилось где-то, а ведь оно может быть очень важным. И тогда путем ассоциаций ты можешь к этому моменту подобраться», — так Надежда предлагает вспомнить особые моменты. В контексте выставки «Хоровод» стал тем самым воспоминанием о жизненном круговороте, в который человек выстраивается интуитивно.

Работа «Хоровод» была создана в 2022 году для персонального проекта художницы «Память заполнена», на выставке представлен авторский повтор произведения.

Полина Захарова (1995) — фотограф, керамист и художник, создает свои работы, основываясь на глубоком опыте в видео, модной кинематографии и искусстве. География ее проектов охватывает Лос-Анджелес, Нью-Йорк и Москву. Окончив школу дизайна в Род-Айленде (США), художница начала работать с графикой, фотографией и керамикой, а обучение в Бауновском университете психологии и философии (США) направило ее в визуальные размышления об энергии и цельности мира. Живет и работает в Москве и Лос-Анджелесе.

Полина создает абстрактные графические рисунки, основанные на идее энергетического присутствия, тонкой интуитивной связи между людьми. Работая графитом на бумаге, она строит многослойные композиции из непрерывных ритмичных линий, которые становятся метафорой эмоционального взаимного влияния. Сотни голубых линий соединяются, образуя «Объятие», основа которого — круг.

Александр Повзнер (1976) — скульптор, живописец, график. Осваивал классические материалы и техники в Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова (1993−1997) и Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова (1997−1999), чуть позже в Институте проблем современного искусства изучал концептуальные практики и основы теории и философии современного искусства. Сын известного художника московского андеграунда, поэта Льва Повзнера и скульптора Валерии Доброхотовой. Живет и работает в Москве и Берлине.

Основным художественным языком для Повзнера является скульптура. С помощью простых средств художник вовлекает зрителя в свой образный «водоворот», наталкивая на новые или давно забытые мысли и ощущения и передавая тот энергетический заряд. Представленная на выставке скульптура из серии «Вещи», собранная из найденных и специально сделанных материлов, — планетарная модель, в центре которой голубая Земля со спутником.

Катика (1989) — художница, работающая в технике вязания. Окончила Уральскую государственную архитектурно-художественную академию. Ручное вязание крючком — основной медиум Катики, через который она приглашает зрителей дотянуться и прикоснуться к объектам, погладить и подержаться за них, а иногда распустить. Участница проектов в России и за рубежом, в том числе в Японии, США и Европе. Живет и работает в Москве.

Художница работает с текстилем и использует много пряжи из старых свитеров и шапок, а иногда самостоятельно ее красит. Она выросла в мире тканей, ниток, иголок и ярких цветов: в ее доме все умели шить.

«Космос — это то, чем я была очарована всю жизнь. В детстве я была поклонницей мультсериала „Сейлор Мун“, одного из популярных в 1990-е и длиннейших аниме. Преобладание образов космической тематики и тесная связь девушек с большим миром оказали огромное влияние на мое воображение», — рассказывает художница. «Планета», «Вселенная», «Солнечная система», «земля», «вода», «атмосфера», «звезда», «комета» и «материя» — все взаимосвязано и переплетено в большом мире. Одна глобальная связь всего и всех: людей с людьми, людей с космосом, прошлого с настоящим. Три мягких шара из серии «Гравитация», представленные на выставке, становятся символами притяжения и взаимосвязи, к которой можно и нужно прикоснуться.

Мария Ефременко (1983) — междисциплинарная художница. Окончила Институт современного искусства БАЗА. Художественная практика Марии Ефременко основана на представлениях о порядке, структурности, комбинировании и сбалансированности форм в хрупком мире. Мария начинала с объектов из ткани и скульптур. Последние семь лет художница работает преимущественно с фарфором и создает скульптуры разных размеров, цветов и форм, которые становятся главными героями личной мифологии. Произведения находятся в коллекции Московского музея современного искусства и частных собраниях. Живет и работает в Москве.

Фарфоровые объекты из серии «Игра» Ефременко неслучайно представлены в самом конце маршрута выставки. В работах Марии преобладает белый цвет, связанный со стремлением создать чистую форму, которая не диктует зрителю определенную интерпретацию, но приглашает к диалогу. Базовая форма шара здесь не просто часть скульптуры, а главный элемент, поддерживающий порядок и сбалансированность всей композиции. Белоснежные и хрупкие, сделанные вручную объекты из фарфора приглашают к игре, в которой можно бесконечно погружаться в фантазии и придумывать новые необъятные и непохожие друг на друга миры. Этот подход напоминает весь маршрут выставки, где восемнадцать визуальных воплощений сферы столь разные, что зрителю остается играть и, как в стихотворении Агнии Барто, «жонглировать» формами и смыслами.